钢琴论文范文
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钢琴教育被中国人所接受与当时兴起的“学堂乐歌”有着重要的联系。19世纪末期，维新运动的失败及帝国主义列强的入侵使国人开始意识到国家的落后及学习西方的必要性。当时的统治阶级内部的进步人士主张学习西方的文化科技，创立新式教育学堂，其中的钢琴教育便成为学校开设乐歌课的重要内容之一。一些进步人士还希望通过开设钢琴课来传播新思想，以唤起新一代救亡图存的意志。所以，清朝末期国内便开设了大量的新式学堂，并开设有乐歌课。中华成立后，当时的教育部门将乐歌课作为小学教育的必修内容，以对学生进行美育教育。由于钢琴能较为直观地反映音乐的交响性，便成为了当时音乐教育活动的重要伴奏乐器。由此可知，清末民初学堂乐歌的兴起有效推动了钢琴教育的发展。其实，在学堂乐歌之前，中国已经出现了学校钢琴教育模式，但仅仅涉及一些钢琴教育活动，如早期的教会学校在传播西方音乐文化方面不乏钢琴教育内容。真正意义上以钢琴作为学习对象的是美国传教士林乐知在上海创办的上海中西书院，该校在校规中明文规定在其8年的学习中都要学习钢琴。上海的中西女塾还正式将钢琴学习作为学校音乐学习的主要内容，选修钢琴的学生人数占总人数的2/3左右，且学习时间一般不少于12年。［2］从此以后，全国各地的学校钢琴教育逐渐发展起来，严修就曾创办严氏保姆讲习所，开设有钢琴课，并为中国培养出了第一批幼教工作者。其实，早期的音乐教育完全是西化的，甚至连钢琴老师也是由外国人担任。在钢琴教育的影响下，一些中国人开始利用业余时间跟随私人教师学习，这便开启了钢琴社会教育的模式。当时的外籍教师是从事该项活动的主要力量，中国最早的音乐家几乎都在这一时期接受过正规的社会音乐教育。
(一)初期的钢琴教育时期，系列新式学堂的建立对音乐文化的发展及普及有着重要的推动作用，特别是西洋的钢琴自然成为中西新音乐形式的最佳工具。沈心工和李叔同便是当时钢琴教育的杰出代表，他们赴欧留学，引进西洋音乐，开辟了中国新音乐教育的道路。当时的李叔同学成归国后便在杭州的浙江师范学院教习钢琴，培养了中国的第一代音乐师资。这一时期，意大利钢琴家梅帕奇在中国举行了最早的钢琴演奏会，在一定程度上扩大了钢琴在中国音乐生活中的影响。1921年，他还在上海建立了第一支管弦乐队，并亲自担任指挥长达20多年，跟随其学习钢琴的老一辈钢琴家有于边敏、张俊勇、周广仁等。梅帕奇注重手指的独立性训练，承续了欧洲现代钢琴教法及演奏法的精华，并成为后来中国钢琴家演奏的重要特点。与此同时，梅帕奇还将当时最先进的钢琴弹奏方法、教学思想传入中国，极大地提高了中国钢琴教育的水平，并培养了一大批著名的钢琴演奏家，对中国早期的钢琴教育事业做出了巨大的贡献。［3］
(二)音乐教育成为社会文化生活的新风尚中华建立后，担任教育总长的蔡元培先生向全国颁发了《普通教育暂行办法通令》《普通教育暂行课程之标准》。这些教育改革文件都将钢琴教育作为新的课程标准内容，其提倡的美育教育成为了当时救亡图存的要求，并很快成为社会文化生活的新风尚。随着学堂音乐教育的兴起及发展，西方近代音乐知识，如钢琴、风琴等逐渐成为音乐教育的主要内容。1915年初，《科学》杂志发表的《和平进行曲》是第一首中国人自己创作的钢琴曲，标志着中国钢琴音乐、钢琴教育的兴起。自此，一些著名的音乐家开始在西方音乐理论指导下，以民间音乐为素材，创作出一些具有民族特色的钢琴曲。这些作品也是中国历史上最早的钢琴教育教材，为以后钢琴教育的发展奠定了重要基础，特别是在当时还出现了专门的音乐教育机构，这说明专业化的钢琴教育已初步形成。1927年，中国著名的音乐教育家萧友梅在上海创办了国立音乐学院，这是中国第一所近代音乐教育机构，说明专业音乐教育开始占据重要地位，对中国钢琴教育具有划时代的意义。当时的俄籍音乐家查哈罗夫说:“中国的钢琴教育正如刚出生的婴儿，而中国学生的聪明与勤奋是其迅速成长的重要基础。”［4］
(三)新文化运动时期钢琴教育的进一步发展在新文化运动的影响下，中国的钢琴教育得到进一步发展。学校音乐教育的迅速发展不断需要具有一定专业水准的音乐人才，所以，在当时的北京、上海等地出现了各种新式的音乐社团，并在这些社团基础上建立了中国第一批音乐教育机构，如北京大学音乐传习所，上海专科师范学校音乐科等，为中国培养了一大批钢琴教育队伍，如李翠贞、巫一舟、范继森等都是近代中国第一代钢琴演奏家。在中国钢琴教育发展中，中国国立音乐教育学院的建立使钢琴教育步入正常发展轨道，出现了大量的钢琴专业人才，钢琴教育正式进入实质发展阶段。当时就有一个对中国音乐界有着重要影响的事件。1934年美籍作曲家亚历山大发起了征集中国风味钢琴曲的比赛，贺绿汀的《牧童短笛》获得了一等奖，这样的创作竞赛在中国钢琴教育史上还是第一次，《牧童短笛》也是中国钢琴曲创作的里程碑。近代中国钢琴教育之所以能有如此巨大的进步，正是有了专业的音乐教育机构，打下了坚实的理论基础，促进了钢琴创作的发展与进步。
(四)抗日战争对中国钢琴教育事业的影响抗日战争的爆发使得刚刚起步的钢琴教育受到了一定程度的影响。上海沦陷后，汪伪政权在原来国立音乐专科学校的基础上建立伪国立音乐院，一些不愿在国立音乐院从教的老师开始转入陈又新创办的上海音乐专科学校。当时的国立音乐师专的师生们以其专业的素养代表着中国最高的音乐水平。国立音专的师生先后奔赴抗日前线参与战斗，成为了中国钢琴音乐教育的主力军。1940年在重庆成立的国立音乐院逐渐成为大后方最著名的音乐学府，同时教育部还将原中央训练团内的音乐干部训练班搬迁至重庆，并正式改名为国立音乐院分院。重庆教育部还曾组建了青木关国立音乐院，虽然条件非常艰苦，钢琴师资严重不足，但钢琴教育活动却始终没有停滞。与此同时，根据地的音乐工作者在非常艰苦的条件下创作出具有一定专业水平的作品，如瞿维的钢琴曲《花鼓》等。总之，在抗日战争艰苦的环境下，中国的钢琴教育仍在顽强生存，为以后中国的钢琴教育事业奠定了坚实的基础。
(一)时期钢琴传播者的重要贡献李叔同是中国近代音乐艺术领域的奇才，自幼便受到良好的教育，深受中华传统文化的熏陶。中华政府建立后，李叔同从日本归国米乐M6官网登录入口，先后在天津工业学校、上海城东女校等从事音乐教育，曾教授过钢琴演奏、作曲及音乐理论等课程，在当时的社会环境下为中国培养了大批的音乐专业人才。李叔同在音乐课上对学生要求非常严格，每次上课前总是要给学生讲授各种西洋乐器的知识，同时在教学上遵循循序渐进的原则，针对钢琴技巧特殊性问题，提出了“宁可生，不可滑，生可以练，滑则很难医。”［5］初期，李叔同主要在浙江两级师范学堂执教，他不但传授给学生钢琴技巧，而且还在人生观上影响学生，许多学生从此走上了钢琴教育的道路。此外，曾志忞对中国早期的钢琴启蒙教育也有着重大影响。中国最早钢琴文化实践的教育者大多深受中国传统文化熏陶，并接受西方优秀文化，他们均以教育家的身份从事音乐活动。
钢琴集体课是传统钢琴教学与现代电子音乐相结合而产生的一门新兴键盘教学课程。它的出现，解决了多年来艺术类院校扩招人数不断攀升和专业钢琴教师相对匮乏的燃眉之急。与传统一对一教学法相比，钢琴集体课教学具有多人同时上课这样新颖的教学方式、互动式的教学过程以及更丰富多彩的教学内容。这种课堂式教学不仅有利于学生单独能力的提高，更有利于培养学生之间的互动、合作、创造等能力，从而大幅提升学生的综合素质。
与传统一对一的教学法相比，钢琴集体课教学存在以下优势：1.设备方面的优势。集体课一般采用数码钢琴作为教学用具，其与普通钢琴相比，具有体积小、质量轻、易搬运的特点，可以实现多台琴集体授课。不仅如此，数码钢琴还增加了耳机、数码等装置。学生在课堂上可以佩戴耳机练习，做到互不干扰。数码设备里还包括主控器（主控电脑）、摄像机、投影机监视器等，在课堂教学中，以主控器为系统核心，指导所有设备的运行。学生通过摄像机和投影仪集体观看教师的示范演奏，教师也可以通过监视器单独对学生进行个别指导，数码钢琴设备为钢琴集体课铺设了最好的平台。2.教学成本优势。钢琴集体课的教学模式节约了学校硬件设备的投入成本，也使得师资力量不足的问题得到缓解。它的出现，可以让钢琴教师统一讲述入门基础，如手型、触键法、指法、各种乐理入门常识等，无须重复授课，不仅节约了教学的投入成本，使得教师的教学和备课质量得到了提高，教学过程更为统一，避免了重复教学的误差，从而提高了教学效率。3.集体课堂优势。集体授课的教学课堂相比一对一的单独授课更有课堂氛围，教学过程更生动活泼，同时也更具创造性和互动性。钢琴集体课的教学步骤是：教师讲授新曲并做示范——重点、难点讲解——学生集体视奏——学生进行重奏或合奏练习——学生课后练习——教师点评。在此教学过程中，更有利于教师与学生的互动流，学生之间更能形成良性竞争，可借鉴其他学生的优缺点，是一个集互动、竞争、监督、展示于一体的开放式集体教学活动。
当然，钢琴集体课教学在表现优越性的同时也会出现一些弊端，例如教师不能很好地把握每一个学生的进度，容易以偏概全。学生往往不能找到合适自己进度的曲目，这是现阶段集体课教学中最大的难题。要解决这一问题，首先是要分别对待不同程度的学生。对程度低、进度慢的学生进行一对一的重点辅导；对条件好、进度快的学生另外布置作业，慢慢拉近两者的距离。其次要根据学生的基本专业水平和学习能力，将其分成若干小组教授不同程度的乐曲。再次是可以多选择四手联弹或合奏曲目，让程度低的学生演奏浅易的声部；让程度高的学生演奏较难的声部，协调发展各自的优、缺点，各展所长。所以集体课要与一对一教学结合起来，取长补短、扬利除弊。
丁善德（1911—1995年），浙江绍兴人，是我国老一辈的作曲家。他非常热爱音乐教育事业，创作了很多民族风格的乐曲，比如《中国民歌主题变奏曲》《牧童短笛》《春之旅》等。他的作品大多乐观、清新、积极，其中《节日舞》选自他的儿童组曲《快乐的节日》（作品9），用音乐描绘了丰富生动的儿童生活画面，展现了儿童欢度节日、愉快兴奋的情景，活泼跳跃的节奏、天真纯朴的曲调、丰富新颖的和声，是乐曲的主要特点。
第一，乐曲建立在民族传统的五声音阶的基础上。丰富的二度、四度、五度音程，构成民族性和声。全曲采用了C宫调式和E宫调式，A段（第3～46小节）中的#F充当了临时导音，增强了音乐的色彩性和民族风格。第二，主题采用了汉族的音调。乐曲主题是作者独立创作的汉族音乐风格的曲调，没有援引任何既有曲调。旋律天真质朴、朗朗上口，音乐语言亲切自然。第三，部分片段模仿了民间打击乐的效果。汉族舞蹈主要运用鼓、锣、钗、钹等打击乐器，很少用弦乐器。其中，鼓是最重要的乐器。汉族民间舞蹈的主要活动场所在街头广场，打击乐器声音响亮、节奏鲜明，方便人们表演。演奏上要突出每一个小重音，参看第1、2小节。
（1）双音与。乐曲中有大量的双音与，这是学生学习中的一个技术难点。首先，双音与需要整齐的弹奏，不能漏掉某个音符或者没有同时触键。比如乐曲第15～18小节的左手部分，学生很容易在连续的进行中出现失误，即左手的小指未把每个低音弹到底，而只是做出了表面化的弹奏姿势。改正方式是让听觉一直侧重听清每一个低音，同时加强小指各个关节的紧张度与支撑能力，并把这个感觉持续四个小节。当在教学中解决了整齐度的问题后，就需要关注双音的层次问题。比如从第45小节开始，出现了大篇幅的双音与，织体增厚，如果纵向音符的弹奏力度都一样，音乐会显得很喧闹，为了使旋律清晰可听，演奏时应该突出旋律音。当学生尝试演奏不同的层次时，会出现手指触键不整齐的情况，对此教师需要给学生提供多种方式的练习，直至学生能在完全把纵向的音符弹整齐的基础上做到层次分明。（2）断连法。作曲家通过断连法表达音乐的语句和语气，假如忽视或者错误演奏断连法，作品会变得面目全非。比如乐曲的主题中右手旋律出现了三音连线和跨小节的五音连线，而左手的断连并不与右手的起落同步，这就给演奏带来了难度。在教学中为了降低学生学习的难度，需要让他们先分手练习，直到每只手都能下意识地准确分句，然后再小心仔细地练习双手配合。
（1）音乐重音。这首乐曲最突出的特点莫过于有大量的重音记号，这些重音记号恰如其分地表现了中国传统民族音乐中锣鼓节奏的特色。演奏时，不能一见到重音记号就使用蛮力敲打琴键，开头的引子其实并不需要弹出很大的音量，它强调的是一种节奏小重音的感觉，表现热闹欢喜的场景。而第15～18小节，基本上是在每四个的第一音有重音记号，在演奏上即第一个给力，其余依靠反弹力即可，音乐就会显得非常有活力，通过左手的节奏重音和密集的发音点把听众的情绪推向。（2）对比。首先是长气息与短气息的对比，三音连线由十六分音符组成，演奏时要弹得很激灵，呼吸要快速，而之后的五音连奏是由八分音符组成，不仅音符时值增加了一倍，小乐汇总时长也翻倍了，因此弹奏时要歌唱，与前者形成鲜明的对比，如同孩子们变化莫测的情绪。在教学中，要教会学生根据时值和连线判断乐谱深层的含义，体会长气息与短气息、慢呼吸与快呼吸的对比。其次，乐曲中还有音乐情绪的对比，比如第56～69小节，如果不仔细分析乐谱，很容易把整个段落弹得蹦蹦跳跳，情绪乐感都比较单一乏味。如果把第56～59小节和第65～68小节处理成连奏，效果就会大不一样，如同影片中的镜头切换，音乐的感染力就立刻增强了。（3）速度。同一首乐曲用不同的速度演奏，可以呈现不同的情感色彩，可见速度的选择是非常关键的因素。这首乐曲的速度标记是VivaceEnergico，要求演奏者赋予作品精神饱满、活跃的气质，建议速度为每分钟136拍。而在教学中，我们常常发现大多数学生的演奏速度约为每分钟120拍，速度偏慢，演奏缺少。当学生把速度提到每分钟136拍时，演奏的关键是要抓住节拍，不能让听觉失控，横冲直撞地弹奏。
《节日舞》是一首非常优秀、经典的中国乐曲。教师不仅要解决学生演奏技术层面的问题，也要通过断连法、乐句、对比等一系列音乐表现手法，使学生演奏得生动传神、富有灵气。
1.厂家作为上游产业链主要压力是对于市场的敏感和反应速度，根据市场信息的判断安排生产计划，产品品质是厂家的根本，琴行在选择产品的同时，要综合考察厂家产品品质和生产能力。好的产品质量是营销制胜的最起码基础，市场上很多品牌的数码钢琴，参差不齐，价格层次也很多，目前情况来说，更多人愿意消费的价格为2000~5000元。这就导致了价格战，恶性循环，导致厂家、琴行没利润，“双败”数码钢琴行业就受到重创很难做大。
2.琴行对于数码钢琴的重视程度，很多琴行大多数注重的还是传统钢琴的销售和培训，缺乏相关技能培训，导致销售业务员不懂数码钢琴丰富的功能，错失客户，很难普及。
3.学校招标竞争大，每一个投标公告出来，都有很多企业去参加，在同等条件下，一般是价低者胜，这样也会导致破坏市场规则，有些企业让利幅度过大，低于市场价格，长期下去，不利于数码钢琴行业的发展。
1.规范厂家行为的建议，提高产品质量的同时，完善分销渠道，要严格控制好价格，并提供较为完善的售后服务，派出适当的宣解员和做产品推广活动，适当的巡视琴行行为。厂家有量之后，占据足够市场占有率，加上创新，提供和其他厂家不一样的服务，可能就会改变现有的品牌结构。
2.对琴行来说，认真诚信经营，应该抱着一种抱团取暖的精神，共同把数码钢琴推向消费者，让更多的人得到音乐知识的普及，结合互联网的便利广开销路。琴行之间恪守市场竞争规则，更加准确的定好位置，捕捉市场信息，做好促销准备，努力做到人无我有，人有我优，人有我精，收集第一手客户资料，做好客户管理、完善员工培训和激励机制。一般来讲，琴行收入来源是销售和培训，针对的对象主要是孩子，其实，这样忽略了很多利润增长点，例如，可以开展试听课，高价比底价更值钱，还有很多家长也可以参加进来的亲子课程，还可以通过上大课的形式。就目前的形势来说，可适当考虑构建一些联盟，抱团收益会倍增，数码钢琴培训可以带动销售，琴行有利可图，细水长流。
3.对于特殊群体学校来说，建立数码钢琴教室是大力推广数码钢琴教育的一种形式，基本上采用招标形式，在可控预算范围内，优先考虑名牌产品、电子类产品，特别注重的是售后服务水平，商家和厂家共同打造出令消费者满意的优质服务。
教学实践中，我们会发现就算是一些演奏者自身的演奏技法存在着一些问题，哪怕是背谱方面的一些问题，仍然不影响演奏者充满信心的完成整个演奏过程。这主要和和演奏者音乐感染力和音乐表现力有着很大的关系。
演奏者在进行演奏的过程中比较喜欢自己的音乐，往往会被自己的音乐所打动，所以在进行演奏的过程中演奏者有信心去打动别人，所以不管是演奏者在技术上出现了什么问题都可以很好的给予应对。这种心理对于演奏者自身的鼓舞是十分巨大的，这足够使得演奏者可以克服很多困难，从而全神贯注的进行演奏，获得很好的演奏效果。
另外，老师在教学的过程中也要对演奏者的音乐素养进行一定的培养。对学生在进行演奏前的音乐情绪进行指导，指导学生在演奏之前深刻的领悟和体会音乐所创造的时代背景，让学生能够在对音乐的背景进行把握的前提下，注重在不同场地发声进行必要的调整。所以对于演奏者而言要多听一些音乐会，多去体会发声问题在不同场合的调整，进而让自己能够得到很好的提升。
学生良好的心理素质是建立在自身思维技巧的基础之上的。学生在进行演奏的时候有时会受到思想懒散的影响，因此会出现手指和大脑经常协调不一致的情况，此时的弹奏往往就成了仅仅依靠机械动作进行的弹奏，所以作为演奏者应当尽力的做到让思想走在动作的前面，这样才能演奏出发自内心的钢琴歌曲。
同时老师要帮助学生临床自我暗示的习惯。在学生进行练琴的时候老师就应当要求学生认真的背诵乐谱，增强对于音乐的准备程度，这可以在很大程度上增强学生的演奏自信。
在演奏的过程中，让学生保持放松的心态也十分的重要。比如学生在进行快速乐曲的弹奏过程中，应当让自己的呼吸尽力的放松和平稳，这是一种比较重要的心理暗示，能够帮助学生放缓自己的心态。另外，音乐的强弱本身也起着一种重要的调解作用，即使是同一首音乐也有欢快和平缓的时候，这可以给予演奏者内心起到一定的调解作用，从而做到松弛有度，这同样是一种十分重要的调解方式。
（一）扎实的音乐乐理知识的积累对各种乐理知识、多种乐曲的曲风以及伴奏的音型等进行掌握和了解。对音阶、调式、和声、歌曲、曲式等乐理知识进行系统的学习，只有打下扎实的乐理基础，才能帮助其对音乐作品进行理解，也才能使其更好地对音乐作品的结构、风格等内容进行分析，在此基础上选择与乐曲相符合的、伴奏织体等。只有对音乐乐理有充分的了解和认识，才会有好的钢琴伴奏。此外，加强钢琴伴奏教学，除了要掌握五线谱之外，还要熟练地掌握简谱，能用首调来演奏各个调。可以说，以丰富乐理知识为基础的钢琴理论课程是钢琴伴奏教学的重要条件之一。
（二）钢琴演奏技巧的练习钢琴演奏技巧以及扎实的基本功是钢琴伴奏的基本条件之一。此外，与钢琴独奏表演相比，钢琴伴奏中可能不太会用到双八度音，但是伴奏也必须达到独奏表演的层次和水平。这就要求钢琴伴奏者必须具有能够自由、流畅地控制键盘的操作能力，任何钢琴伴奏表达和理解都是建立在扎实的钢琴演奏技能基础之上的。在钢琴教学过程中，教师应该根据教学目标来制定相应的钢琴技能课程训练内容，让学生有计划地进行系统性的学习。加强伴奏歌曲的练习尤其是即兴钢琴伴奏练习十分重要。将钢琴即兴伴奏作为一门必须课程纳入音乐教学之中，将歌曲、乐理、钢琴、演奏等科目融合为一体，是现代钢琴教育非常重要的一门课程。通过钢琴即兴练习，能够帮助演奏者进行钢琴技巧的练习之外，还能增强演奏者对旋律的感知度，使其在头脑中形成一个完整的音型织体的编配网络以及分层化的和声配置结构等，并最终体现在能够快速进行钢琴伴奏创作和演奏上。钢琴即兴伴奏教学能够更大限度地培养学生的创造性思维，同时也能提高学生的综合素质能力。
（三）钢琴伴奏控制技能加强钢琴伴奏技巧的练习也是钢琴伴奏教学中非常重要的一环。1.钢琴伴奏的音量控制。所谓的音量控制主要是指音量力道控制，其与演奏者的音域、音色、音响环境等都有直接的联系。在声乐演奏的钢琴伴奏的过程中，伴奏者一定要把握好演奏者的情感和表演风格，以及与演奏者的表演相配合的伴奏音响的力度，最大限度地烘托出表演的艺术表现力。另外，要把握好伴奏音响的力度。这需要综合考虑整个演奏过程，其是一项均衡性的表演技能的体现。同时，作为钢琴伴奏者，应该时刻将声音表现作为其琴声力度选择的重要标准，把控好整首歌曲的均衡性，使歌声与琴声能够相互融合成一体，保证整首歌曲流畅、完整地完成。2.钢琴节奏的控制。对节奏和速度控制也是钢琴伴奏必须注意的一个问题，出色的节奏控对表演者来说是对情绪和歌声表现的一种烘托或补充。要加强声乐演奏过程中伴奏的节奏控制，首先必须对伴奏的速度有所把握，加强伴奏速度练习，不断加深对作品的印象。但是，伴奏者还应该善于变速，即对伴奏作品的节奏进行调控，通过把控节奏来配合声乐演唱。例如当歌者在歌唱中有一段特别重要的情绪表现时，伴奏者应该根据歌者的情绪来调整节奏，放慢或是加快伴奏速度，以此来烘托歌唱表现。3.优秀的钢琴伴奏者除了拥有扎实的伴奏技能之外，良好的心理素质也是必不可少的。钢琴伴奏是大脑中枢神经控制活动的一种表现，钢琴伴奏的整个过程都需要人的心理的参与。尤其是对于伴奏者来说，他需要根据演唱者的歌唱对整个演奏的情绪、环境等进行灵活的把握，有时需要随时调整伴奏的节奏来配合演唱者。因此，加强学生良好的心理素质培养是十分重要的。伴奏者只有拥有过硬的心理素质，才能在伴奏中有足够的底气，也才能应对在伴奏过程中出现的突发状况，尤其是应对即兴钢琴伴奏表演等复杂状况。
（一）音乐教学观念落后钢琴伴奏在声乐教学中的意义十分重大，其带给声乐表演的改变是巨大的。但是，我国钢琴伴奏教学工作发展起步比较晚，一直沿用专业化的声乐教学模式。教师和学生往往过于注重声乐技能技巧的学习，尤其是不少声乐教师在课堂教学中过于重视声乐技能、演奏技巧等方面的教学，而对钢琴伴奏重要性的认识不够，没能充分认识到钢琴伴奏在声乐教学中所起到的重要作用。对钢琴伴奏问题不重视，久而久之，在声乐教学中，多数学生由于不了解伴奏的重要性，忽视钢琴伴奏的学习，不注重对伴奏技巧和情感情绪的培养，使其或许拥有不错的钢琴独奏能力，但伴奏能力却不强，无法在声乐表演中进行完整的钢琴伴奏表演。因此，要让学生在思想上重视钢琴伴奏，提高学习的兴趣。
（二）钢琴伴奏课程设置不合理由于对钢琴伴奏教学的不重视，使得一些院校的钢琴伴奏教学的课程设置方面也存在一定的问题。目前，我国大多数院校音乐教育没有制定统一的钢琴伴奏教材和教学大纲，很多学校都是根据教师自身的教学习惯和经验以及个人的喜好来编排课程，导致许多钢琴伴奏课程设置都具有比较大的随意性，学生缺乏科学、统一的学习，最后就算掌握了钢琴伴奏方面的知识，也很难科学、正确的运用。而目前市场上关于钢琴伴奏方面的教材或参考书也比较少，使得学生的钢琴伴奏学习缺乏理论积累的基础。
（三）缺乏钢琴伴奏实践锻炼在音乐教育中的钢琴伴奏过程中，一部分声乐教师非常注重学生对钢琴伴奏理论知识以及伴奏技巧知识的学习，在课堂上的讲解也多是以理论知识讲授为主，较少有钢琴伴奏实践机会。但是，钢琴伴奏实践是钢琴伴奏教学最重要的一环。如果缺乏实践锻炼，就可能在实际的声乐表演伴奏演出中出现对歌曲的敏感度、辨识度低，歌曲节奏跟不上等状况，缺乏足够的伴奏舞台表演的经历，这样不利于学生综合音乐素养的提升。
（一）转化钢琴伴奏教学理念加强钢琴伴奏教学理念的转变是提高钢琴伴奏教学水平关键的一部分。只有确立了科学、合理的伴奏教学理念，才能将科学的教育理念转化为正确的钢琴伴奏教学。首先，树立正确、积极的钢琴伴奏教学理念，将素质教育的精神理念深入贯彻到音乐教育中去，以正确的音乐审美体验为核心，不断丰富音乐学习，尤其是钢琴伴奏的教学内容。提高自身钢琴伴奏审美能力，不断拓展学生在音乐方面的创造能力。其次，还应该将钢琴伴奏充分融入音乐教学体系中去，积极转变教师对钢琴伴奏教学的态度，使其充分认识到钢琴伴奏在声乐教育中的重要性。再次，转变教师的教学观念，还应该树立正确的以人为本的教学理念，对于学生的音乐素养能力以及自身的兴趣爱好等有一个基本的了解，在此基础上，采用因材施教的教学方法来提高学生的乐感和钢琴伴奏能力。
（二）积极扩充钢琴伴奏的教学内容提高钢琴伴奏教学水平，还应该积极充实和拓展钢琴伴奏的教学内容，通过多样化的教学方法来帮助学生提高音乐素养。具体来说，钢琴伴奏教学内容的扩充应该从以下几个方面来加强：1.钢琴作品的成品伴奏。钢琴伴奏教学最基本的目的就是加强对学生音乐感知能力以及钢琴伴奏作品演奏能力的提升。成品伴奏教学应该与学生自身素质能力相匹配。教师在钢琴伴奏教学的过程中，不仅要对学生示范正确的音符弹奏方法，而且要进行与演唱者或表演者默契配合的正确示范，让学生充分了解到钢琴伴奏过程中对配合程度的高要求，使其能够充分将其自身的情感和技巧融入整个作品的表演创作中去。2.配弹伴奏教学。加强配弹伴奏的锻炼是指让学生在规定的时间内，通过对歌曲作品的分析来进行钢琴伴奏曲目的创作。对作品的分析主要包括对歌曲的调性调式的分析、织体的选择、歌曲试弹等，在对歌曲作品进行详细分析的基础上来创作比较完整的钢琴伴奏和伴奏曲。成品伴奏与配弹伴奏是钢琴伴奏教学两个不可分割的部分，二者相互补充，教师应该根据学生的学习能力循序渐进地来培养学生钢琴伴奏的能力。
（三）积极使用新的钢琴伴奏教学方法在转变钢琴伴奏教学理念的基础上，积极尝试新的钢琴伴奏教学方法，不断丰富和完善钢琴伴奏教学方法体系的结构，使钢琴伴奏教学方法的运用更加科学、合理。1.确立以钢琴弹奏技巧教学为基础的钢琴伴奏教学体系。加强钢琴弹奏技能技巧的教学，进行对连奏、断奏、琶音、等钢琴弹奏技巧的教学，与此同时，还要对学生进行音乐理论教学，通过理论、技能相结合的教学来强化钢琴伴奏教学的基础。2.使用简谱加五线谱相结合的教学方法。五线谱首调读谱法是一种帮助学生理解作品的旋律、辨别歌曲和声与调式的有效方法。利用首调读谱方法即用一种较为固定的音程关系来处理曲谱，能够简化钢琴伴奏过程的处理。此外，在首调读谱教学方法外，辅之以简谱教学法，简谱伴奏在钢琴即兴伴奏教学中发挥着重要作用。
演唱与伴奏在舞台实践中本是一个整体。“唱与和”是同时展现的，缺少了任何一个部分，均是不完整的。双方在平时练习时，需要在歌曲伴奏方式、演唱方式、舞台效果等方面不断地磨合，最终达成两人的共识。钢琴伴奏首先要熟悉歌曲的表现意图，表现内容和演唱者的演唱风格。钢琴伴奏最好是有着丰富的伴奏经验，在练习中应紧密结合演唱者自身的演唱特色，选用适当的音色、音乐织体为其伴奏。我们运用钢琴伴奏较多的还是专业性较强的作品。如美声唱法歌曲、民族唱法歌曲。一般情况下，短小篇幅的作品具有精炼的特质，二段体、三段体较为常见。往往在短暂的时间里，给观众带来小巧精致和灵动的感觉。如《包楞调》《、问》《、草原上升起不落的太阳》《、槐花几时开》《、南泥湾》等，作品大一点的歌曲往往从叙事开始，逐渐展开到，最后把作品推向升华。如《黄河渔娘》、《不能尽孝愧对娘》、《孟姜女》、《风萧瑟》、《黄河怨》等。这些经典歌曲往往在舞台上经久不衰。小型歌曲在配合上因短小精悍，钢琴伴奏不会十分复杂，在理解和配合中较为容易。这些小型歌曲在配合中，钢琴伴奏方面主要是在前奏中把握乐曲整体的风格，速度、曲调、音乐尽量精炼。和声处理中也要考虑乐曲主要表现的内容与乐曲特色，尽量在主题句用精准的音乐就抓住人们心灵，不易用复杂的音型和乐句为之编配伴奏。配合中，对于有争议的问题，双方要及时的商定，不要拖沓。这样在配合的进程中，双方很快就能把作品的合作价值提升。在篇幅稍微大一点歌曲，不管是对祖国、家乡、亲人的依恋和热爱之情还是叙事、饱含赞美之情的歌曲。无论在音乐处理和歌曲演唱中的情感把握方面，每一个字、每一个音符都传递着深深的感情，如歌曲《不能尽孝愧对娘》的前奏部分中，钢琴伴奏在这时为了渲染气氛，应把握作词作曲的真切情感，双手采用震音和大幅度琶音的形式，把乐曲的气势推向。演唱者在钢琴伴奏音乐气氛的推动下，酝酿好情绪，使声音与情感统一，在乐句开始时自然地表达出所要表现的思想感情。配合不是我们所想象的在基本的节奏、乐句、音符、情感表达上简单的应和。还有对乐曲曲式结构、对音乐的理解层面、文化素养等多方面的配合和搭配。时间和效率往往是歌曲演唱者和钢琴伴奏配合工作的支撑点。配合是综合能力的展现，也是彼此文化、音乐、素质等综合水平的体现。配合是需要默契为前提的，需要耐心磨合的。
舞台艺术实践中，临场发挥是展现艺术水准、心理素质、舞台实践经验的综合体现。临场发挥水平的高低，往往决定了表演实践的成功与失败。对于歌曲演唱者和钢琴伴奏是在双方配合的基础上，在熟悉和充分把握作品的基础上，在舞台上表现作品的时刻。一般情况下，有着丰富经验的表演者在临场发挥中常常能正常或超常发挥出自己的水平。音乐是时间的艺术。没有任何一个演唱者可以完全保证自己在舞台实践中发挥正常。因为实践的时间、场地、音响、听众、舞台配合、个人状态等许多因素的不同，也会给表演者思想和精神方面带来一定的影响。作为表演者的歌曲演唱者和钢琴伴奏，每一次的发挥都不尽相同，这就是临场发挥。临场发挥最重要的是调整好舞台实践者的状态和心态。良好的状态和心态，是需要自我调整的。在每一场舞台实践之后，我们需要的是好好回味和总结、思考。更多的方法和经验对于应对舞台现场所发生的实际情况是非常有效果的。舞台实践前夕，我们可以用意识和回忆的方法，放松身心，逐渐使自己融入所要表达的音乐中。还可以用深呼吸调整气息、用跳跃的方式放松身心。对于演唱者在舞台实践中，临时与音乐配合不上，忘词、跑调等一些现象我们不能完全避免。但遇到这些情况时，我们可以将失误率降到最低，或者说找到一点补救的措施。譬如当演唱者与钢琴伴奏配合不上时，钢琴伴奏充当映衬的角色，就要找到节奏和音符上能够应和演唱者的内容。遇到忘词的演唱者需要钢琴伴奏辗转一下音乐，让音乐回到开始时或能够衔接的音乐部分，音乐不能停顿下来。如遇到有跑掉的演唱者，钢琴伴奏亦可根据演唱者的调式，编配适宜的和声和节奏型积极和主动的配合演唱者。临场发挥不仅是思维与状态在头脑中飞速运转的表现，同时也需要从容地沉浸在表演之中。
1.课程设置与简介美国音乐艺术博士的课程设置为55-65学分不等，大致需要2-3年的时间完成全部课程。每个学校学分、课程设置不同，但基本都包括：专业演奏、音乐历史、音乐理论、副修专业四大类。（1）专业演奏钢琴专业演奏课分为两种类型，即每周一次的与教授一对一的专业学习课,以及studioclass演奏课，每次为2小时。演奏课通常要求每位教授其授课班级的所有学生到场，学生自愿报名演奏和讨论交流，每位学生演奏结束之后,老师会让其他学生进行点评，每位学生都可以获得各自展示的机会，从而积累演奏经验、提升心理素养、锻炼语言表述能力。另外，钢琴系每个月都会举行两次pianoforum钢琴演奏讨论会，每学期每位学生必须在讨论课上演奏一次，由除专业老师之外的本系教授对演奏进行评论讲解，全系的学生都要求出席并参与讨论。（2）高级音乐理论和音乐历史高级音乐理论和音乐历史课程是专为博士生开设的研讨课程，从各个历史时期中选出具有代表性的音乐作品，主要针对曲式结构分析以及音乐理论的深入研究：文艺复兴和巴洛克；维也纳古典；十九世纪；二十世纪上半叶；自二战以后。或者每学期指定一个作曲家，从和声曲式、历史人文各个角度对作品和作曲家进行透视分析，上课方式以学生讨论为主，小班授课，通常不超过20人。教授出题并作引导，研讨的题目内容形式都很广泛，课程选择并无专业限制，作业是以提交论文以及课堂陈述报告为主要方式。（3）副修专业钢琴表演研究生的副修专业可以从演奏方法与实践、音乐历史研究、音乐理论研究、钢琴音乐教育中选取研究方向。演奏方法与实践是为键盘乐专业开设的课程，主要研究巴洛克时期（1600-1750）以及古典时期（重点放在海顿，莫扎特和贝多芬早期的音乐作品）乐器的构造，装饰音，数字低音、节奏、颤音等一系列演奏方法，除了理论的学习与论证，学生还需分组用古乐器（比如古钢琴、羽管键琴、大键琴、管风琴等）或现代钢琴进行课堂示范演奏与陈述报告。钢琴音乐教育课程分为儿童钢琴教学以及数码钢琴实验室教学法两个学期。后者主要针对音乐学院钢琴副修学生的集体课教学法。主要讲述如何充分的了解运用实验室里的仪器与设备，帮助学生在键盘和声技巧、即兴演奏创作、视唱练耳、钢琴演奏等方面得到提升。如果选择音乐理论或音乐历史作为副修专业的学生除了按照第（2）项里的规定修完原有的学分，还需按副修学分的要求，额外修满这两门课程的课时。（4）重点必修课程方法与研究是所有音乐专业的硕士和博士研究生的必修课，课程目的是指导音乐研究生学会应用基础和正确的研究技巧，主题包括如何利用访问图书馆资源和在线数据库;论文的引文格式和抄袭的问题;批判性阅读和写作;以及对不同音乐版本的研究，了解它们的编集，比较各自的优缺点。所有这些知识都是为之后的博士毕业论文做储备。硕士研究生的课时是2学分，DMA学生为4学分，他们将进一步学习如何规划和写作大型的学术研究论文。所有DMA学生将必须在课程结束时提交博士论文的开题报告并进行陈述。钢琴文献与作品研究是针对钢琴专业研究生必修的课程，以对钢琴音乐有重大贡献的作曲家及其作品为线世纪当代的钢琴文献，宏观上对不同时期的钢琴艺术发展脉络进行梳理。内容包括的体裁风格、音乐特点归纳总结、不同音乐风格形成下的时代背景，详细论述和赏析每个时期的作曲家具有广泛代表性的钢琴作品分析.
2.评价体系在完成所有课程后，学生首先需要确定答辩委员会教授组成员（4-6位）,要求包括专业表演、音乐历史、音乐理论、副修专业四个方向的教授，以及论文导师。其次学生需参加博士研究生资格考试并通过之后才能成为博士候选人。资格考试分为理论和实践两个部分,其主要用意在于检验博士生在其研究领域内的综合基本学识理论（substantiveknowledge）和职业技能（scholarlyandprofessionalexpertise），确保其有完成接下来博士论文研究和实践的基本能力。综合基本学识理论考试分为笔试和口试两个环节，出题内容必须包括专业演奏、音乐历史、音乐理论、副修专业这四个方向。考试时间分为两天四个时间段，每位教授会给出两到三个问题，闭卷当场作答,主要以提交论文的形式。考试问题涵盖了几乎所有音乐时期的知识以及作品，例如：讨论20世纪初期法国的键盘音乐，至少包括四位主要的作曲家，详述各自的作曲风格以及运用具体的作品进行论证。音乐理论的教授会给出五个左右的谱例，让考生判断属于哪个时期、作曲家的作品，并详细论述分析原因。口试定在笔试完成后的两个星期内进行，博士候选人除了回答答辩委员会的提问，还要提交博士论文开题报告并进行陈述。对于钢琴演奏专业的研究生来说，职业技能考试是以资格审查音乐会的形式进行,钢琴系全体教授出席进行审核并决定是否通过。美国博士研究生资格考试有着很高的淘汰率，一般在20%-30%左右，如果不通过将无法获得博士候选人资格，进入下一阶段的学位进程。这也体现了美国艺术类博士培养极为苛刻严谨的标准，成为博士候选人仅仅是完成博士学位的第一步,在接下来的两到三年中,钢琴演奏专业的学生需要举办三场独奏音乐会并完成博士论文的写作。音乐艺术博士论文可以通过三种形式提交：200页以上20万字的研究论文；100页论文连带一场和论文有关的projectrecita（l论文项目音乐会）；50页论文连带两场lecturerecital（演讲音乐会）。形式多样的论文提交形式，提倡实践与理论相结合，更适用于演奏专业的候选人。
中国钢琴演奏专业的研究生教育起步较晚，从2005年起，开始面向全国招收艺术硕士研究生，此为音乐演奏专业目前国内的最高学位文凭。美国是世界上唯一可以授予音乐艺术博士学位（演奏专业）的国家，从设立到现在已经有近70年的历史。它整个系统的规范合理性、大量丰富的研究资源、众多在各领域汇集的一流的师资已成为世界公认的精英教育体系。因此积极借鉴美国高校在专业培养模式上的成功经验和成熟体制，因地制宜，取长补短，对提高我国钢琴专业研究生培养质量有着深远的意义。上文论述中，已介绍了美国音乐艺术博士的专业培养模式的各个方面，在接下来的比较探析中，笔者通过研究中国主流音乐学院音乐硕士（钢琴演奏专业）的培养方案，综合分析美式先进体系的优势所在，提出了如下思考和改进建议。
1.优化课程设置美国音乐艺术博士课程设置的连贯性、系统性、全面性、平衡性、多元性是其整个教育培养模式的精华所在，其主要优势体现在重点突出，环环相扣，构架严谨，搭配合理这几个方面。专业核心理论架构稳定成型，专业选修课程阵营强大，专业副修课程特色鲜明，专业方向（演奏）课生动精湛，其合理的基本课程系统架构确实值得国内各高校艺术专业关注并借鉴：基础理论课＋方法课＋诸门能够让学生掌握具体研究过程的专门研究课+演奏实践课+副专业课。这样的设置不仅使学生在课程选择时灵活性很大，对于拓展视野和深度也能够起到帮助作用，同时更为重要的是使得学生在整个专业知识的学习体系中逐步形成良好完善的高素质研究素养和专业视角，在环环相扣，相辅相成的课业学习中，学生融会贯通知识的综合能力，设置目标完成进度的执行能力无疑都得到更好的锻炼和发挥。国内目前钢琴专业研究生培养课程模式主要分为公共课+专业课+专业必修课+选修课。课程方向齐全，可是每个方向中可供学生选择的课程的数量和种类较为单一。宏观、普适课程居多，中观和微观层面的细化、深入研究课程缺乏。同时也存在课程结构设置比例不合理，内容缺乏前沿性等问题。（1）美国研究生阶段倡导的研讨导修课程模式值得借鉴，教授开课命题，如“德彪西音乐的风格研讨”、“美国当代作曲家作品研究”，学生在既定的范围内自由命题，做课堂研讨、开题报告、陈述展演、论文写作等，循序渐进地引导学生在与本专业相结合的情况下，进入学术研究的领域。（2）应加强如“钢琴文献及作品研究”，“演奏方法与实践”“、方法研究”等钢琴专业学生所需的实践理论课程的开设。目前，国内除北京、上海几所重点院校外，开设这几门课程的艺术院校并不普遍。尤其是研究方，学会搜索与研究是研究生阶段一个重要历程，也是学位论文写作的重要依据。（3）注重跨学科领域交叉课程的发展也任重而道远。在国内主流音乐学院钢琴演奏硕士课程设置中没有对副修专业的硬性要求，单一的主修专业使得学生只能完全专注于演奏的探索，缺乏全面适用的知识储备，毕业之后在就业市场上其综合能力和就职空间受到影响。
2.创新培养机制目前国内各高校音乐艺术类钢琴专业研究生在完成规定课程后，学位培养考核模式为举办音乐会以及学位论文的提交。存在的问题主要有考核手段单一，认定标准刻板，缺乏激励主动性学习等。针对表演专业应用型人才培养目标的特殊性，在学位论文提交形式多样化上的创新和改革无疑是一种非常合理的考量。比如，参考美国的经验，可以将传统的论文答辩改为论文+讲座音乐会的形式，边讲边弹，生动地将论据以演奏的方式呈现，并穿插对论点的陈述与讲解，全方位的将研究成果融入到最终极的音乐表现形式演奏当中去，在整个学位论文的完成过程中，学生的自我评估，分析研究，演奏技巧，曲式理解，风格把握等多项音乐素养都会得到本质的提高。此外，艺术硕士学位的中期考核的制度也存在不足，大部分院校只是对课程完成情况的检查以及学分等级的测评，并无统一的对于硕士阶段所学课程以及本专业综合知识的掌握与应用能力的考核。美国音乐艺术博士为了保证学位获得者的质量水平所规定的博士候选人资格考试已成为美国成熟的博士考核制度的重要一环，它不仅起到了中期考核的作用，也是不可或缺的淘汰遴选手段。我们可以借鉴这种方式，在完成规定课程后，举行综合专业理论知识考试（笔试或口试），多次不合格者将不被授予硕士学位，在保证学位质量的同时，考核的形式多样化也促使学生在日常的学习中不得不以理解参悟应用为目标，搭建条理清晰，脉络详细的知识体系，为今后学术研究和论文写作奠定坚实的理论基础。
3.开拓多元化教学形式在艺术硕士研究生教育阶段，除了专业水平的提高和科研能力的加强，还应注重学生，人文素质、沟通能力等方面的培养。针对以表演为核心的理念，采用灵活教学方法，逐渐完成从单一向多元化综合性学科布局，独立和封闭的教学方式向开放互动教学的发展与转化。国内的表演专业课程采用的是一对一教学形式，美国音乐学院studioclass和pianoforum这两种模式可以作为将独立封闭的教学方式向开放互动教学方法转化的起点。专业授课教授希望与学生在演奏上建立平等的交流，站在同一个高度探讨作品，碰撞出灵感的火花。尤其是在studioclass这种新颖有效的课堂模式上，学生可以最大限度的通过相互展示评析克服表演的紧张，在相互切磋的气氛之下更好的掌握演奏技巧和艺术情感。单一封闭式教学容易使学生受到更多的局限，陷入演奏瓶颈。其次，专业理论课的课程多种多样的形式也带给我们一些思考和启发。课堂讲授，讨论班组、文献阅读课、演讲展示、试听鉴赏，无论哪种授课形式都注重发挥学生的主动性，注重培养学生的创造性。课程内容随学科发展而不断变化，有利于学生掌握学科前沿动态。
