米乐M6如何将钢琴演奏技巧与音乐表现完美结合
米乐M6如何将钢琴演奏技巧与音乐表现完美结合钢琴演奏是一种应具有高超表演技术与技巧而又是非常精确、细致、灵活的艺术创造行为。在准备演奏一部钢琴作品时，首先钢琴演奏技巧是基础，它的训练非常关键应科学处理，其次作品的音乐表现也很重要，即音乐内涵，它是作品的灵魂所在。可见“技巧”与“音乐表现”两者都不可忽视，在练习过程中就应当把两者相联系、相结合从中不断挖掘新意，始终追求一个目标——让听众听到最美好的声音、最完美的作品，形成一个“完整”的练琴过程。
怎样使我的钢琴演奏获得成功呢？怎样才能把握好这部作品中的技巧呢？怎样才能表现出作品的内涵把这种精神传达给听众呢……我想每一位钢琴演奏者一定都为这些问题而困惑过。为达到更好的演奏效果，这就要求演奏者循序渐进的进行学习，不能急于求成。那么怎样才是科学的练习方法呢？无疑是将钢琴演奏技巧与音乐表现完美结合，真正做到在练习过程中便是演奏音乐。那么怎样才能在实践当中把两者相结合呢？具体从以下三方面去探讨。
首先，用头脑掌握钢琴演奏技巧。钢琴演奏技巧实际上也就是控制手指的技巧，而控制手指的意义局限于演奏的流畅程度、高难乐句的演奏速度以及落键的准确性。拿到一部作品，准确地读谱通过大脑活动获得演奏技巧是钢琴专业学习过程中所要解决的首要问题。我们应当努力钻研演奏技巧中可能出现的各种问题如：每个音的力度、指法、触键、时值等等。大多我们实际生活中许多音乐专业的学生并没有养成用脑去认真的控制每一个音的好习惯。把钢琴演奏技巧当作一种体力劳动，习惯于反复练习一些较难的片段。在练琴时没有或很少使注意力高度集中，把技巧练习慢慢演化成为一种下意识动作，反复将某一片段弹奏好几个月，导致最后在脑中的音乐记忆力一片空白，难以消除怯场心里。这种方法不但耗时，而且不可能获得完美的效果。
第一，慢速度练习强化听觉。一般的赋格我们都要用非常慢的速度来演奏，这时脑力活动的作用主要是使每一个音符、手指达到最为正确的标准。练习时，开始将每一个音的力度限制在Piano（轻）与pianissimo（很轻）之间。慢慢练习直到能够将每一个音的力度弹得尽可能完全相同。这种练习对于听觉来说是一种强化训练，经过一段时间，演奏者的听觉能力便会显著提高。
第二，要在提速中了解结构。在之前的练习基础上加快速度，直至正确地达到节拍标记的要求。然后应当在作品中找出比较难弹的小片段进行重点学习和练习。开始练习这些小片段时还应用缓慢速度，之后再加快速度。较大的段落及较长的乐句应当分割开再练习。
第三，精确把握时值体验音乐表现。例如在弹奏一条歌唱性旋律时，如果对每个音时值的精确性予以足够重视，那么将会增加音乐的感染力，使音乐表现更为传情。练习长乐句时对其短小的动机及片段进行细到入微的处理，才能使人真正感受到艺术上的享受而没有任何仓促之感。
第四，控制并感受音乐中不同的力度。这需通过手指训练来感受和把握，使五个手指的触键产生同样的力度。在进行这方面训练时首先需采用极连贯的触键方法，手指尽量不要离开琴键。同时还应感受每个手指所需要的力度并学会控制手指力量。如此练习几周下来便可掌握均匀的触键方法达到以前不敢奢望的速度，这便是在注意力高度集中的情况下迅速获得的成果。
其次，在练习过程中用听觉来检查、鉴别钢琴演奏的技巧。音乐是听觉的艺术，人们通过听觉器官来接受欣赏和鉴别音乐。一位出色的钢琴演奏家一定对钢琴的声音有敏锐的听觉，内心有明确的追求。
钢琴演奏技巧包括很多很多具体到如节奏、手腕平稳等，要强调的是在一部作品中无论是遇到钢琴演奏技巧里的哪一类都应运用上述方法，用头脑掌握技巧。以高度注意力集中练习，时刻关注音乐的发展、曲式和音乐表现的有机构造。练习中不断提高使用自己的听觉素质，这样才会达到事半功倍的练习成果。
正如不能把音乐只看作是声音的形式一样，我们也不能把对音乐内涵的体验只局限在音乐本身。音乐从音乐创作过程来说，每一部作品蕴涵了作曲家对社会生活和人的思想感情的体验，包含着作曲家丰富的精神世界。从音乐的表现形式来说，这些丰富的精神内涵并只能通过钢琴的声音比拟，象征或表现方式加以体现，这就要求我们不能单纯去只体验音乐内涵把它形式化而要与演奏技巧相结合去磨练、深刻体会。
首先，为了更准确、更深刻的了解音乐的内涵，演奏者需要在准备练习演奏一部作品之前对其音乐背景材料进行了解。这里背景材料就包括：
通过上述了解后就应该在实践当中去理解，与演奏技巧相结合体验表现音乐内涵。然后怎样表现呢？就是要让琴键唱歌，简单的说就是要把内心感受、感情通过柔韧的手指在琴键上唱出来，实际上是心在唱歌。
勾画出旋律的“语气”曲线。每首乐曲都是由若干乐句组成的。在演奏时应先对乐曲结构做详尽的分析，根据乐曲情绪的变化与发展，巧妙安排乐句、乐段演奏的力度，音色的明暗度和情绪的变化，使乐曲产生丰富的效果。
牢牢抓住乐曲的主旋律。在主调音乐中，旋律占主导地位，它的情绪起伏和音色变化体现了乐曲的性质。这种旋律弹奏时触键要深、力度要强，旋律的流动曲线要保持完整性，这样才能打动人给人以清晰的效果。如李斯特的《爱之梦》、门德尔松的《春之歌》等均属此类。
双声部及多声部旋律的处理。在双声部或多声部旋律同时或交替出现的音乐中，应根据音乐形象的需要及音区的变化，弹出不用的音色。
重复音、重复句，模进乐句的处理。旋律中的重复音、重复句，模进乐句的弹奏必须根据乐曲的情绪发展及要求做出各种变化，否则就会显的笨拙、枯燥、平淡而累赘。重复句可根据乐段的情绪变化发展做出强或弱（或相反）的力度和音色变化，使相同的句子（或音型）产生不同的色彩。这样的句型在海顿和莫扎特的奏鸣曲作品中较为常见。
弹奏的呼吸。如果弹奏没有“呼吸”，就会使音乐像和尚念经般令人昏昏欲睡。“呼吸”是根据乐曲的情绪要求及音乐的“句”和“逗”来安排的。有时缓慢深沉，有时急速。在弹奏中，演奏者本身的呼吸及手腕上下自如放松的动作要与乐句的“呼吸”密切配合。
其次在表现音乐内涵时一定是自然的音乐表现，钢琴教育家涅高兹曾尖锐的批评他的一个学生说：“这位女学生弹奏《十二平均律钢琴曲集》第一部的升c小调前奏曲时，多愁善感的拖延音符，还加上些矫揉造作的强弱变化，以至我所看到的不是的面貌，而是一位唱着令人毛骨悚然的浪漫曲的小城镇上的夫人。”我相信一位有品位、有名望的音乐家一定会在他的音乐表现中严格地遵照乐谱，忠实地反映原作品的表现力。这是一位演奏者取得成功的最根本的基础。同时必须十分娴熟的掌握作品各部分的演奏技巧，这样才能将注意力集中在自然的音乐表现上。
其实出色的表演技巧与完美的艺术表现在音乐表演中是相辅相成、互不可少的，钢琴演奏的表演也不例外。没有演奏技巧根本谈不上音乐表现。脱离了音乐表现，演奏技巧也将失去它自身的存在价值，二者是统一的。我想作为一名成功的演奏家，首先要有很好的音乐理解力，有高度的音乐敏感性，有很好的逻辑思维和组织结构能力。其次，还要有很好的控制键盘的能力――技术，才能准确干净，毫无负担地，有把握地把所理解的音乐内容体现出来。这也就是技术与音乐表现的高度结合的关系。如斯卡拉蒂（17世纪意大利人）的作品是为钢琴演奏而作，风格古朴、轻巧、明亮。要求触键精巧而有弹性，节奏有动力而又准确。为了表现这种风格，在技术训练上就应要求手指独立、指尖要有感觉，把技术和音乐结合起来训练。莫扎特奏鸣曲中的跑动的句型，它包含了丰富的音乐语言和节奏韵律，同时又体现了德国古典音乐的风格，明朗而典雅。因此在掌握了其作品风格应在演奏练习过程中从字里行间体会其中的韵味，努力把这些跑动的句的干净而有表情。
总之演奏技巧与音乐表现的统一是使钢琴演奏获得成功的可靠保证更是钢琴演奏者在音乐表演中达到至善至美境界的可靠保证。谈到这里我们已经很清楚地看到就是要在练习演奏技巧是当中运用科学的方法，以高度的注意力关注音乐的发展，曲式和音乐表现的有机构造，真正做到在练习过程中便是演奏音乐。挖掘音乐内涵，了解所学演奏作品的风格背景。在实践中去体会自然的音乐表现，不断体会，不断挖掘新意，不断追求心中完美的音乐，真正地做到把技巧与音乐二者完美结合。
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