米乐M6官网登录入口钢琴演奏论文范文精选
米乐M6官网登录入口钢琴演奏论文范文精选前言：在撰写钢琴演奏论文的过程中，我们可以学习和借鉴他人的优秀作品，小编整理了5篇优秀范文，希望能够为您的写作提供参考和借鉴。
学习钢琴是一个非常漫长而又艰苦的过程，我们必须持之以恒，才能成为一个优秀的演奏者，演奏者要具备良好的演奏能力，学生首先要放松弹琴，放松是基础，只有放松下来才达到了练琴的目的，其次歌唱性也很重要，歌唱性是灵魂，只有唱出来才能更准确的理解乐谱，做到这两点后就该有意识的培养自己的乐感。音乐也是一样课前预习、课后复习、在课余多积累音乐知识了解不同的音乐风格作品，只有这样慢慢的积累、领悟才可以提高演奏能力从而成为一个优秀的演奏者。
1.很多学生在练琴的时候身体总是很紧张，身体也会随着手腕而僵硬，总认为手腕僵硬手指绷紧就会使弹奏的音符很有音色。反而会使自己往往才练了半个小时就腰酸背疼，这时候你就真的应该注意自己的弹琴姿势和技巧是否正确了，有些学生谈奏鸣曲的时候想要有那种激愤、斗志昂扬的感觉会不惜自己手疼使很大力用手指使劲“砸”琴。觉得这就是奏鸣曲想要诠释给听众的音乐风格。其实这些都是错误的理解和感觉。
2.音乐的歌唱性很重要，有的学生练琴经常不动脑筋,就像是机器人弹奏，没有情感没有呼吸，连音乐的起伏都没有。其实最主要的的问题就是在演奏的过程中没有唱谱子，其实这种习惯你是有的只是没有在谈钢琴的时候表现出来，开始上小学的时候每一个语文老师都会强调拿到一篇文章的时候想要知道这篇文章表达的是什么首先要浏览文章、出声朗读几遍。
3.演奏时对于作品没乐感，有人会怀疑乐感好不好和演奏能力没有很大的关系，那我可以告诉大家音乐其实是一门听觉艺术。要让听众发自肺腑的为你鼓掌其实就和乐感有很大的联系了，如果把好的演奏者或是优美的音乐比喻成一杯咖啡那么乐感就相当于最基础的“咖啡豆”、那么显而易见咖啡豆的品种和质量就是这杯咖啡的价值也就是钢琴中演奏者的乐感。
练琴时我们应该把注意力集中在放松弹奏上，放松弹奏不仅仅是音色好听，你还会发现原来作曲家就想要表达这种感觉。放松弹奏是一个意识，这需要足够的耐心去提醒学生要用自然的动作弹奏,并意识到弹奏过程中积累起来的紧张会造成音乐上很大的差距。力度的控制和灵活性的练习对钢琴演奏来说是很重要的。老师经常会对初学者强调手臂放松，让手臂带动手腕、这样自然而然的手指就会弹奏出不错的音色。只有这样才可以在弹奏时不费余力,且声音通透。
学生唱谱与演奏相结合起来这种培养会最直接的提高学生的演奏能力，连许多钢琴教育家都常在教育中提倡演奏要有歌唱意识。弹琴其实和说话，唱歌是一样的，弹琴也有抑扬起伏和呼吸，它和写文章是一样的，写文章是用标点符号来控制文章的呼吸，感叹号是惊讶，问号的有疑问。弹钢琴也是一样，跳音一般表示很欢乐，琶音表示很舒缓线条很流畅，所以在拿到谱子时先唱一遍或边谈边唱对演奏能力的提高很有帮助。音乐的旋律就是乐句经过引子——起句——推动——走向——结束收尾,这是音乐的基本方式。“把这些乐句的结构表达清楚,和平时讲话一样有语调、语气、呼吸。”就能赋予音乐生动性,使音乐像小溪流水一样很有线条感。在弹奏时加上歌唱会让你对乐谱有很大的理解米乐M6，你会发现原来每个乐段和乐段的联系都是这么的衔接准确，每个乐句和乐句之间的联系都是这么美妙，我们对谱子的歌唱性就是对乐谱最基础的了解，只有唱出来你的思维你的眼睛和手指才会更准确的感受到作曲家想要表达的精华。
乐感的培养也非短时间就可达到，如果想提高演奏能力一定要有良好的乐感，这样才会理解这首作品中想要给听者传递怎样的音乐感受，乐感的培养有很多，最简单和快捷的方法就是在网上不断地听一流大师演奏时候的感觉和对于作品的处理、理解和演绎。熟能生巧，灌灌耳音慢慢的你就会形成大师一样的模式，从而拿到作品就会有一种对音乐的感知和自己对音乐的理解。乐感对于演奏者是非常重要的一个培养，绝不是一天两天便能拥有的，想要提升自己对音乐的感知那么在平时就要多听、多想、多练，相信在这样的一个思考下渐渐的就会很有对音乐的感觉，从而形成自己独特的演奏能力。
老师要引导学生当拿到一个谱子首先应该仔细的浏览一遍，其实谱子和文章一样是分层次分乐段的，我们首先得把一个完整地乐谱分段最好再找出一个小标题中心思想，能明确的知道每一小段都是表达怎样的感情，应该用怎样的手法弹奏。接下来就应该划分每一小段的呼吸，看看乐段的指法、停顿、触键、音阶、琶音、八度、断奏、连奏、双音、大跳、手指的独立练习。遇到音符很多很复杂的时候千万不要慌，这时你只需要保持清晰地头脑把他们一个个拆开练习。“琶音就要注意流畅性，怎样使他弹得清晰又流畅。”双音则要保持两个音落键的同时性。这些都得花时间去练习，只有注意每一个细节才会使完整地作品细致，好听。当这些都仔细研读过后就可以在网上看看其他人弹奏这首作品的视频，相互学习，看看他们是怎样诠释这首作品的，多看、多想、多听会使你受益匪浅。当这些所有的准备工作做好后就该是你唱奏弹奏这首曲子的时候，古人说、熟能生巧，当你把一个谱子熟悉到每个呼吸，每个音符的色彩都掌握的很到位，这时你才会懂这首曲子想要传递给你的信息和感觉。只有这样一遍又一遍的熟悉、一遍又一遍的了解、一遍又一遍的修改体会才会使你的演奏能力逐渐提高。
听觉训练很重要，每一个钢琴老师都会说课余时间多听听好的音乐作品多灌灌耳音，不仅可以提高自身的演奏能力还可以潜移默化的使你规范到这样的范围内。首先，可以运用科学的手段培养学生听觉。在教学当中向学生传授听觉方法，让学生明白要听什么和怎么听，比如音乐旋律的变更、节奏的变化方式等。其次，培养学生对比强弱的变化、分辨音符时值的长短。节奏感是学生演奏能力培养最基本的前提，如果掌握不好就会使音乐形象偏离。老师可以引导学生经常性的听一流钢琴大师的演奏，并对其演奏方式进行深入研究，从“听”当中储蓄未来自身演奏过程中可能会运用到的技巧要领，并尝试将掌握的技巧运用到钢琴弹奏当中。
我们都知道在不同时代有着不同的音乐风格，在不同的民族和种族他们的音乐表达也千差万别。在拿到一首作品时我们首先得知道作曲家表达的是哪个时代的作品，然而这个作品在当时对作曲的人有怎样的环境怎么样的背景和作曲家的心里环境和想表达的音乐风格，只有知道这些最基础的才能更进一步的诠释出作品的风格和想法，才可以更好的演奏出那样一种相近的感觉，只有对自己苛刻严谨才能提高自身的演奏能力。作为教师，不断地让学生更多的了解音乐的民族特征和时代背景，可以使他们在未来钢琴演奏中吸收这些风格中的优秀元素，并在很多时候起到“画龙点睛”的作用，只有不断地积累、学习、运用才会把这些好的优秀的元素变成自己的。
一个人是否成功和自身的心理素质有很大的关系，在你的身边也许就有所谓的“黑马”，他平时可能没有你学的好，没有你钢琴弹得好，可是在考主修的时候人家就是全系第一而你可能被踢到了第十名，你没有他学的好吗？可能并不是，只是在考试的时候你心理素质较差在弹曲子的时候你打了个绊没能顺利的接下去。也许是因为紧张在弹到一半的时候突然忘记了接下来的谱子。那匹所谓的“黑马”也许真的在平时没有你学的好，但是他在考试的时候调节了自身的心理，在心里觉得自己是最棒的为自己加油，那么这种自我的加油和激励就是他超过你的原因。自信心是自己给自己的，只有练琴练得更好练得流畅那么自然而然上台就不会紧张反而很自信，提高自信心很简单、自信心就是这么强大。他可以使优秀的人更加优秀，使自卑的人变的优秀。作为教师也一样，不断地表扬就可以使你的学生变成你所希望的那个样子！然而大多数人都知道的一个提升自信心的方法，也许是最古老的方法，就是每天醒来对着镜子对自己说今天的自己有进步了一点点，今天的自己又离成功进了一步，据调查这种心理暗示也很起作用!只有自己能信够强大才会够自信。
优秀的钢琴作品蕴含着动人的情感，演奏者对作品的演绎过程就是进行二度创作的过程，其中所蕴含的情感也会随着音乐内容发生变化，因而也会发生一系列的生理变化，当然钢琴演奏者的情感发生变化，必定会影响到呼吸的形态。在钢琴演奏的实践过程中，演奏者运用的呼吸节奏、情感表现与作品所诠释的内容一致时，听众所欣赏到的乐曲音响效果是趋于完美的，因此在高校钢琴音乐教学的过程中要注重对学生演奏呼吸的调控，培养学生在演奏时的呼吸调整意识，尽量在教学的过程中使得学生更好地把作品情感与呼吸融为一体。在授课或者实践的过程中，当学生的情绪低落时，呼吸就会加深加快，直接影响演奏的效果；还有当演奏的音乐作品出现比较惊惧的乐段时，会让演奏者紧张，从而使得演奏呼吸中断，所以在平时的练习过程中就要注意呼吸经验的积累。比如在演奏莫扎特的音乐作品时，教师要不断地强调音乐作品中情绪、情感与呼吸状态的关系，甚至两个音的小连线的语气都必须表达出来，让学生在演奏的过程中深刻地体会到莫扎特作品的细腻性。有时可以让学生在作品的谱面上做定性符号，固定其演奏的速度、力度等细节因素，使其更加灵活地对音乐作品的情绪与情感多做出正确的处理。
许多优秀的钢琴音乐作品，会有十分丰富的情感蕴含其中，当然所要表现的内容也并非单一，在交错复杂的情感交织中呈现出不同的内容，所以在演奏这些音乐作品时，要不断地深层次地分析和体验音乐作品的深层内涵，在挖掘音乐作品内涵的过程中提升演奏水平。在演奏作品前要做―系列的准备，我们要对音乐作品的风格进行分析，对时代背景、创作特点、表现内容、思想意蕴进行全方位的把握，然后对谱面进行乐句、乐段的划分，根据音乐的特点及其情绪的变化进一步对演奏的呼吸作出调整，要准确地把握呼吸的缓促、强弱，通过正确的呼吸去带动演奏的情绪，在呼吸变化的过程中进行二度创作，更加准确地反映音乐作品蕴含的深层内蕴。在高校钢琴音乐教学的过程中，学生的演奏大部分是以自然乐句为气口，或者在演奏中无意识地随意呼吸，这样就使得演奏的音乐作品缺乏生命力，当然也就不能够对音乐作品进行演奏呼吸的二度创作了，所以教师应该注重学生呼吸方法的掌握，教会学生用心地进行演奏呼吸的二度创作，使得演奏的音乐作品与乐曲所体现的内容吻合。学生要用心体会，要让自己的演奏呼吸变化与音乐作品乐句的情绪相匹配，教师在学生的演奏过程中要强调乐句末、乐段结束和音乐进行中的呼吸。从学生演奏时的弹奏发音的方法、演奏时发出的声音到配合呼吸的形体动作等等，都要充分表达音乐作品的内容、情绪、情感，尽可能地做到演奏者的呼吸与听众的呼吸协调在一起，让呼吸的静态起到“无声胜有声”的作用。
【论文摘要】钢琴学习中，有人特别是初学者，经常会问“我练琴时手怎么会酸？”这实际上就是没有解决好钢琴演奏中的放松问题。钢琴家王滨在她的钢琴讲座中说：“正确的放松，是一种‘积极休息’的状态，积极而清醒、有意识、巧妙地在所有可以不用力的时刻和可以不用力的身体部位均使之处于毫不费力、非常舒服、又可以随意地转入行动的状态。”
放松是一个相对概念,是针对紧张而言的，是去掉多余的力量而并非手型塌陷松散，下键不到底，没有力度，不用力量。它不仅是一种技术,也是一种状态。我们常说的放松可分为静态放松和动态放松两种。静态放松是呈持续状的放松,如熟睡时的状态；而动态放松是瞬间的、局部的，是一种完整动作张弛中的一个“间歇”，行为目的不是为了静止，而是为了“待动”。钢琴演奏中的放松，即属动态放松。放松是钢琴演奏中掌握正确、科学弹奏方法的基础。初学琴的人往往认为放松即松懈，放在钢琴上的手是塌的。这样一来，就影响力量的控制，不但没有力度，也不会有美妙的音色。放松区别于松懈，因为它有紧张的一面，即有合理的松，又有必要的紧张。这就是说放松是紧与松的辨证统一关系，即松而不懈，也就是让整只手从肩关节到手腕完全放松，而指尖绷紧支撑臂部重量，腕和肘能够自如灵活的向任何方向移动，使整只手臂、腕和肩完全放松自如。弹琴不是单纯的靠手指去敲击键盘，而是靠肩、臂、腕的放松，将手臂的重量送入指尖所做的规范性的动作。
钢琴演奏中放不松的原因，通常有两大类：一是生理上的紧张；二是精神上的紧张。这两者常常相互关联。
2.11由于弹奏的方法不够科学而形成的有很多人在弹奏速度较快的曲目时，经常感到前臂、手腕肌肉发热和酸疼。这是因为没能正确运用全臂弹奏法，而仅仅用连接肘部关节的肌肉力量举起和支持住前臂来进行弹奏，使上臂中连接前臂的伸张肌肉始终处于成直角的收缩状态，肘关节一直成直角形的固定状态。这样一来就很难使上臂及全身的重量完全送下去，从而也就很难发出丰满、明亮的音质和音量。一旦需要很强的音量时，就不得不更多的使用前臂的力量，时间一长，前臂里的伸张肌肉就会发热、酸疼，甚至受伤从而形成所谓的“职业病”。
2.1.2于触键后没有立即放松而形成的当手指抬起触键发出声音后，就应立刻放松，让刚才触键而收缩的肌肉立即恢复原来的平静状态，只保留一点使琴键不至于起来的重量就行了。这样出来的声音效果明亮、有穿透力。有些弹琴的人，特别是初学者，在触键后仍用劲按住键盘，没有使手臂里的肌肉放松。这样一来就会造成两种恶果：一是这样弹出来的乐曲声音很闷、很死、全无音乐可言，因为键盘被压死，从而使琴弦共鸣不良。二是因为在第一次下键紧张度还没有消除的情况下，又弹第二个音、第三个音……这样就造成了紧张的积累，使整个手始终在紧张状态下弹奏。因而就不能弹奏一些快速的练习曲或有技术难度的乐曲，因为这样的弹奏到后来只能越弹越觉得手腕、前臂酸疼，使肌肉过于疲劳而造成损伤，影响弹奏。
2.2心理上的紧张我们知道，在演奏中，一定程度精神上的紧张是必须的。即充满信心，让身心处于一种全神贯注的兴奋状态，从而充满感情地把乐曲忠实、完整地演奏出来。但很多人在弹奏时会不由自主地产生心理上有害的紧张。众所周知，一首乐曲弹得越熟就越有把握，演奏中就可充满信心地弹得很好。相反，如果对乐曲弹得不熟、对乐曲中的技术难点还没克服……就会不由自主地紧张起来，表现为：弹奏前手心出汗、手指发抖；有的弹到一半就弹不走了，甚至还有的人一坐到钢琴前脑袋就一片空白，下不了手。这样一来在演奏中经常产生差错，这一错反过来又引起精神上进一步的紧张和恐惧，形成不可收拾的恶循环，最后只能以一塌糊涂而告终。另外环境上的不适应也会造成紧张。如有的同学在琴房弹的很不错，但一到大厅考试却不行了；有的给自己弹还行，一旦有人在旁观看就又不行了。此外，环境变化还表现为对琴的不习惯、指触上的不习惯、座位上的不习惯、因所处空间的差别而造成音响上、共鸣上、光线上等等的不习惯。使心情不安定从而影响弹奏。
3.1体会放松在钢琴弹奏中，我们只有自己实际操作，深刻体会放松的状态和感觉，再进行反复的练习，让肌肉形成记忆，养成一种习惯，从而解决放松的问题。接下来简单谈谈有关体会放松的练习：①(不用钢琴)站着，让一只手垂在身旁，它好像完全“没有生命似的”，只是一个死的肢体，用另一只活动的手拖着手臂把它渐渐举起，越高越好，（被托起的手要求完全处于被动状态，活动的手应该感觉是沉甸甸的）举到一定高度时突然放开，这时小臂带动大臂就完全像死尸一般地掉下来。这一练习可以用一本书“落”在地上和“放”在地上的不同效果作比较。②坐在钢琴前，将一只手慢慢抬高，高过头顶，像物体下落一样无拘束地将一只手指落在琴键上，发出声音。每个手指都可以试，手指落键要立稳，这样的练习可以放松手臂，更可以在潜意识中促进对放松的认识。通过以上两种练习放松手臂后，我们还需放平手腕，并把手腕放到尽可能低的位置。这样由高到低,重复多次练习。最后在高处位置上时，以平衡的动作用手腕将整只手向上“带离”琴键。通过每个手指这样反复地练习，相信可以使手臂、腕、手指获得一定的灵活性，并得到一定的放松。
[论文摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变，传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述，简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导，用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学，以帮助更多的考生取得优异成绩。同时，这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。
近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看，艺术类专业的录取分数线在不断提升：文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多；今年各高校均没有扩招计划，艺术类高考竞争越来越激烈。同时，专业课考试的形势也越来越严峻：以辽宁省为例，今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见，专业的成绩确实更加真实、更加透明了，但另一方面，也确实增加了专业实力的竞争的力度。
怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出，无疑给音乐高考的学生，尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变，教师的教学方式和手段也必须相应地改变，要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践，总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法，供大家讨论与研究，希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标，在交流中碰撞出更好的教学思路。
本文从演奏钢琴的技术是基础，慢练是途径，音乐表现是目的，临场发挥的心理素质培养与训练的全过程，畅谈了考生在练琴中从纵向、横向，个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用，阐述了音乐高考中的钢琴教学，对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。
钢琴演奏是技术性很强的艺术，技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的，它包括钢琴演奏的技法和表现规律．独立理解以及处理音乐的能力等等。
教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解，即通过考生的演奏听学生的音准、节奏，听调试中各种音色的不同触键技术技能，听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步，此后的教学安排便都是有针对性的了。
首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料，这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后，再将这几种不同的触键方法归纳起来，分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术，将每一个技术动作做到位。如：手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”，手掌关节的“支撑”与“放弃”，音阶、琶音、结构认知的手架把位技巧，手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧，肘部下垂与提高技巧，腰部的协调，臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后，还要引导学生认识旋律起伏．和声的色彩变化，节奏的错落有致，对音乐语言本身的规律和文法等等，都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来，这才是练习基本功的目的。
训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节，要尽可能地创造时机去训练。
对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练，挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生，要用自己的耳朵来自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正，才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。
视觉演奏快慢，是衡量学生学习效率的标准。视奏快，能有效地缩短学时，并能增强读谱能力和背谱能力．为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上，还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏，是训练大脑记忆力的最好方法，它需要调动听力、心灵，掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练，从而增加手指弹奏的准确性和力度，迅速掌握演奏技巧。
在进入多元化钢琴教育的今天，全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念，我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重，是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练：以技术训练保障艺术的完美，使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。
慢练不是简单地把乐曲的速度放慢，它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长，把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然，心领神会，从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说，就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间，根据视觉、听觉反馈的信息，调整并改正演奏上的缺点、错误，从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。
所以对音乐考生的辅导中，要充分利用慢练这一手段，仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系，根据需要慢练。可以采取分解式慢练(分声部慢练：分手慢练)，充分体验多声部多层次多音色的触键感觉，特别是难点之处，更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。
当然，慢练不是目的，而是一个过程，慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时，就要逐渐加快速度，直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听，今非昔比了。
钢琴演奏是一门表演艺术，是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受，并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富，它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等，都属于表现的范畴。
钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果，又能模仿某一件乐器，甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上．我们可以自由转调，使用丰富多彩的和声，发挥多声部的作用，惟妙惟肖地展示各种生动的事
钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映，是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内，对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时，还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。
首先，在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术，钢琴是通过音响来描绘音乐形象，表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障，也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯，提高考生“听”的水平。
同时，从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句，是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础，也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏，有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此，乐曲富有旋律，流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符，音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵，把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言，才能产生音乐情感，才能把内心从音符中感受到的东西，通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间，乐音之中，乐音背后的音乐内涵，从而完成带给听者音乐感受的使命。
确保音乐考生的临场正常发挥，是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻，由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措，甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备，多年的学练付之东流，令人扼腕。按常理，一般的演奏者，尤其是阅历不深的考生，初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质，能以一颗平常心在考场上正常发挥，我做了一些探索。
1、在慢练的过程中，用视唱法，对每个音符的固定唱名做强化训练，借语言神经的兴奋点，强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。
2、在视唱中，要反复推敲每一个音符的触键感觉，找出最佳音色，反复练习，以形成动力定型。以听觉掌控技术，从而避免由于紧张造成的记忆浅薄，手无章法。
3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去，展开想象的翅膀，敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。
4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”，模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”，总是第一遍不如第二遍，第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行，情况表明是卓有成效的。
[论文摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变，传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述，简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导，用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学，以帮助更多的考生取得优异成绩。同时，这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。
近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看，艺术类专业的录取分数线在不断提升：文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多；今年各高校均没有扩招计划，艺术类高考竞争越来越激烈。同时，专业课考试的形势也越来越严峻：以辽宁省为例，今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见，专业的成绩确实更加真实、更加透明了，但另一方面，也确实增加了专业实力的竞争的力度。
怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出，无疑给音乐高考的学生，尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变，教师的教学方式和手段也必须相应地改变，要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践，总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法，供大家讨论与研究，希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标，在交流中碰撞出更好的教学思路。
本文从演奏钢琴的技术是基础，慢练是途径，音乐表现是目的，临场发挥的心理素质培养与训练的全过程，畅谈了考生在练琴中从纵向、横向，个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用，阐述了音乐高考中的钢琴教学，对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。
钢琴演奏是技术性很强的艺术，技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的，它包括钢琴演奏的技法和表现规律．独立理解以及处理音乐的能力等等。
教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解，即通过考生的演奏听学生的音准、节奏，听调试中各种音色的不同触键技术技能，听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步，此后的教学安排便都是有针对性的了。
首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料，这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后，再将这几种不同的触键方法归纳起来，分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术，将每一个技术动作做到位。如：手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”，手掌关节的“支撑”与“放弃”，音阶、琶音、结构认知的手架把位技巧，手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧，肘部下垂与提高技巧，腰部的协调，臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后，还要引导学生认识旋律起伏．和声的色彩变化，节奏的错落有致，对音乐语言本身的规律和文法等等，都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来，这才是练习基本功的目的。
训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节，要尽可能地创造时机去训练。
对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练，挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生，要用自己的耳朵来自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正，才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。
视觉演奏快慢，是衡量学生学习效率的标准。视奏快，能有效地缩短学时，并能增强读谱能力和背谱能力．为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上，还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏，是训练大脑记忆力的最好方法，它需要调动听力、心灵，掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练，从而增加手指弹奏的准确性和力度，迅速掌握演奏技巧。
在进入多元化钢琴教育的今天，全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念，我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重，是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练：以技术训练保障艺术的完美，使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。
慢练不是简单地把乐曲的速度放慢，它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长，把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然，心领神会，从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说，就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间，根据视觉、听觉反馈的信息，调整并改正演奏上的缺点、错误，从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。
所以对音乐考生的辅导中，要充分利用慢练这一手段，仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系，根据需要慢练。可以采取分解式慢练(分声部慢练：分手慢练)，充分体验多声部多层次多音色的触键感觉，特别是难点之处，更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。
当然，慢练不是目的，而是一个过程，慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时，就要逐渐加快速度，直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听，今非昔比了。
钢琴演奏是一门表演艺术，是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受，并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富，它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等，都属于表现的范畴。
钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果，又能模仿某一件乐器，甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上．我们可以自由转调，使用丰富多彩的和声，发挥多声部的作用，惟妙惟肖地展示各种生动的事件、场面、背景，人物肖像、性格、内心活动等等。
钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映，是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内，对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时，还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。
首先，在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术，钢琴是通过音响来描绘音乐形象，表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障，也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯，提高考生“听”的水平。
同时，从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句，是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础，也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏，有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此，乐曲富有旋律，流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符，音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵，把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言，才能产生音乐情感，才能把内心从音符中感受到的东西，通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间，乐音之中，乐音背后的音乐内涵，从而完成带给听者音乐感受的使命。
确保音乐考生的临场正常发挥，是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻，由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措，甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备，多年的学练付之东流，令人扼腕。按常理，一般的演奏者，尤其是阅历不深的考生，初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质，能以一颗平常心在考场上正常发挥，我做了一些探索。
1、在慢练的过程中，用视唱法，对每个音符的固定唱名做强化训练，借语言神经的兴奋点，强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。
2、在视唱中，要反复推敲每一个音符的触键感觉，找出最佳音色，反复练习，以形成动力定型。以听觉掌控技术，从而避免由于紧张造成的记忆浅薄，手无章法。
3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去，展开想象的翅膀，敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。
4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”，模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”，总是第一遍不如第二遍，第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行，情况表明是卓有成效的。
